Führung durch die II. documenta (1959)

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Version vom 19. April 2007, 15:02 Uhr von Dirk Schwarze (Diskussion | Beiträge) (Beispielhafte Kunstwerke)

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Dirk Schwarze führt durch die documenta-Geschichte

Einleitung in unsere Serie "Führung durch die documenta" (Hinweis: Diese exklusiven Autorenbeiträge sind nicht editierbar.)

1955: documenta - 1959: II. documenta - 1964: documenta III - 1968: 4. documenta - 1972: documenta 5 (mit Bildergalerie) - 1977: documenta 6 (mit Bildergalerie) - 1982: documenta 7 - 1987: documenta 8 - 1992: Documenta IX - 1997: documenta X - 2002: Documenta11 (mit Bildergalerie) - 2007: documenta 12 (mit Bildergalerien) - 2012: documenta 13 - Arnold Bode-Preis - 2017: documenta 14

Documenta-Lexikon mit der kompletten Künstlerliste 1955-2007

Unser documenta-Führer Dirk Schwarze


Kurzprofil

II. documenta

11. Juli - 11. Oktober 1959

Die zustimmende Kritik zur documenta ermunterte Arnold Bode zum Weitermachen. Dabei hatte er von vorneherein von einer Ausstellung im Vier-Jahres-Rhythmus geträumt: „Quadriennale“ steht als handschriftlicher Zusatz im zweiten Exposé zur Ausstellungsplanung für das Jahr 1955. Hatte die erste documenta der Rechtfertigung der Moderne gedient, versuchte die zweite, noch stärker die abstrakte Kunst durchzusetzen. Für diese konsequente Programmatik hatte insbesondere Prof. Werner Haftmann (1912-1999) gesorgt, der 1955 das Standardwerk „Malerei im 20. Jahrhundert“ herausgebracht hatte. Haftmann war für die ersten drei Ausstellungen der „Chefideologe“ an Bodes Seite war. Die documenta II erntete auch erste massive Kritik – vor allem auch deshalb, weil der massierte Auftritt der amerikanischen Maler mit ihren Großformaten zu räumlichen Engpässen führte. Das viel zu niedrige Dachgeschoss des Fridericianums, in das die Franzosen abgedrängt wurden, empfanden selbst die Veranstalter als „Bleikammern“. Zum Ereignis wurde die Schau insbesondere durch die Skulpturen-Ausstellung vor den Ruinen der Orangerie. Damit wurde die Öffnung zum Park (Karlsaue) vorbereitet. Ein dritter Ausstellungsort war das Palais Bellevue, in dem ein Überblick über die internationale Druckgrafik gegeben wurde.

1170 Werke von 326 Künstlern, 134 000 Besucher. Etat: 680 000 Mark. Zuschüsse: 476 000 Mark. Erlöse und Spenden: 515 000 Mark. Orte: Museum Fridericianum, Orangerie, Palais Bellevue.

Kuratoren

Erneut prägten der Künstler und Akademie-Professor Arnold Bode sowie der Kunsthistoriker Prof. Werner Haftmann die Ausstellung. Der Ausschuss für Malerei, Skulptur und Druckgrafik als Auswahlgremium umfasste elf Persönlichkeiten, zu denen auch Werner Schmalenbach und Eduard Trier gehörten. Das Ausstellungssekretariat leitete der spätere Galerist Rudolf Zwirner. Besonderheit der II. documenta war, dass die amerikanischen Künstler, die erstmals dabei waren, komplett von Porter McCray ausgewählt wurden, der Direktor des Internationalen Programms im Museum of Modern Art in New York war.

Ausstellungsorte

Museum Fridericianum

Das klassizistische Gebäude war 1779 als erster für die Öffentlichkeit bestimmter Museumsbau auf dem europäischen Kontinent vollendet worden. Das Fridericianum beherbergte Teile der landgräflichen Sammlungen und die Bibliothek. Im Zweiten Weltkrieg brannte das Gebäude aus. Arnold Bode entdeckte die notdürftig gesicherte Ruine als Ort für die zeitgenössische Kunst. Seit 1955 sind das Fridericianum und der davor liegende Friedrichsplatz das Herzstück jeder documenta. Seit 1988 dient der Bau zwischen den documenten als Kunsthalle. Außerdem hat in ihm der Kunstverein seine Räume.

Orangerie

In der Parkanlage Karlsaue liegt die Anfang des 18. Jahrhunderts als Gewächshaus und Lustschloss errichtete Orangerie. Sie wurde 1943 fast vollständig zerstört. Die documenta-Ausstellungen von 1959, 1964 und 1968 bezogen die Orangerie als Kulisse für die Skulpturen und Großplastiken ein. Nach dem Wiederaufbau in den 70er-Jahren war die Orangerie von 1977 bis 1987 dreimal zweitgrößter Ausstellungsplatz (nach dem Fridericianum). Seit der Einrichtung des Astronomisch-Physikalischen Kabinetts in dem Gebäude (1992) steht der documenta nur noch ein 300 Quadratmeter-Raum zur Verfügung.


Palais Bellevue

Das gegenüber der Neuen Galerie 1714 von Paul du Ry errichtete Palais Bellevue zeugt von der untergegangenen Oberneustadt, die Landgraf Karl vor 300 Jahren für die Hugenotten erbauen ließ. Heute beherbergt das Palais das Brüder Grimm-Museum. 1959 war das Gebäude neben Fridericianum und Orangerie dritter Ausstellungsort. Dort wurden Grafik und Buchillustrationen gezeigt.

Teilnehmende Künstler

Acht, René Charles


Adam, Henri-Georges


Aeschbacher, Hans


Afro


Altenbourg, Gerhard


Appel, Karel


Ardon, Mordechai


Armitage, Kenneth


Arp, Hans


Bacon, Francis


Baki\194c, Vojin


Bargheer, Eduard


Battke, Heinz


Batz, Eugen


Baumeister, Willi


Bazaine, Jean


Baziotes, William


Beaudin, André


Beck, Gustav Kurt


Beckmann, Max


Bellmer, Hans


Bergman, Anna-Eva


Berke, Hubert


Bertrand, Gaston


Bill, Max


Birolli, Renato


Bissier, Julius


Bissière, Roger


Bloc, André


Bluhm, Norman


Boccioni, Umberto


Bodmer, Walter


Bonnet, Anne


Brancusi, Constantin


Braque, Georges


Braun, Theo


Brauner, Victor


Brooks, James


Brüning, Peter


Buchheister, Carl


Burri, Alberto


Burssens, Jan


Butler, Reg


Calder, Alexander


Camaro, Alexander


Campigli, Massimo


Capogrossi, Giuseppe


Cappello, Carmelo


Cassinari, Bruno


Castro, Sergio de


Cavallon, Giorgio


César


Chadwick, Lynn


Chagall, Marc


Childs, Bernhard


Chillida, Eduardo


Chirico, Giorgio de


Cimiotti, Emil


Clavé, Antoni


Cliffe, Henry


Coester, Otto


Consagra, Pietro


Constant


Corneille


Corpora, Antonio


Courtin, Pierre


Cousins, Harold B.


Cuixart, Modesto


Dahmen, Karl Fred


Davie, Alan


Degottex, Jean


Delahaye, Jacques Charles


Delaunay, Robert


Delvaux, Paul


Derain, André


Deyrolle, Jean Jacques


Dodeigne, Eugène


Dorazio, Piero


Dova, Gianni


Dubuffet, Jean


Dufour, Bernard


Eble, Theo


Ernst, Max


Estève, Maurice


Evans, Merlyn


Faßbender, Joseph


Fautrier, Jean


Fazzini, Pericle


Fedier, Franz


Feito, Luis


Ferber, Herbert


Fontana, Lucio


Franchina, Nino


Francis, Sam


Frankenthaler, Helen


Friesz, Othon


Gabo, Naum


Gaul, Winfred


Geiger, Rupprecht


Georges, Claude


Germain, Jacques


Giacometti, Alberto


Gilioli, Emile


Gilles, Werner


Gillet, Roger Edgar


Götz, Karl Otto


Goldberg, Michael


Goller, Bruno


Gonzalez, Julio


Gorky, Arshile


Gottlieb, Adolph


Greis, Otto


Grieshaber, H.A.P.


Gris, Juan


Gromaire, Marcel


Guston, Philip


Haass, Terry


Haese, Roël d'


Hajdu, Etienne


Hajek, Otto-Herbert


Hantaï, Simon


Harnest, Fritz


Hartigan, Grace


Hartung, Hans


Hartung, Karl


Hausner, Rudolf


Hayter, Stanley William


Heiliger, Bernhard


Heldt, Werner


Hepworth, Barbara


Herbin, Auguste


Herkenrath, Peter


Hermanns, Ernst


Heyboer, Anton


Hilton, Roger


Hoehme, Gerhard


Hoflehner, Rudolf


Hofmann, Hans


Inoue, Yûichi


Iseli, Rolf


Jacobsen, Robert


Jansen, F. M.


Jendritzko, Guido


Jorn, Asger


Kandinsky, Wassily


Kantor, Tadeusz


Kemeny, Zoltan


Kermadec, Eugène de


Kirchner, Ernst-Ludwig


Kirchner, Heinrich


Klee, Paul


Kline, Franz


Koenig, Fritz


Kohler, Max


Kokoschka, Oskar


Kooning, Willem de


Kricke, Norbert


Kügler, Rudolf


Lam, Wifredo


Landhuyt, Octave


Lanskoy, André


Lanyon, Peter


Lardera, Berto


Lassaw, Ibram


Lataster, Ger


Laurens, Henri


Le Corbusier


Le Moal, Jean


Lebenstein, Jan


Léger, Fernand


Leinfellner, Heinz


Licini, Osvaldo


Linck, Walter


Lipchitz, Jacques


Lipsi, Maurice


Lipton, Seymour


Lucebert


Lurcat, Jean


Magnelli, Alberto


Magritte, René


Malevic, Kasimir


Manessier, Alfred


Manzù, Giacomo


Marc, Franz


Marca-Relli, Conrad


Marcks, Gerhard


Marczynski, Adam


Marfaing, André


Marini, Marino


Marquet, Albert


Masson, André


Mastroianni, Umberto


Mataré, Ewald


Mathieu, Georges


Matisse, Henri


Matschinsky-Denninghoff, Brigitte


Matta


Meadows, Bernard


Meistermann, Georg


Mendelson, Marc


Merwart, Ludwig


Mettel, Hans


Michaux, Henri


Minassian, Leone


Minguzzi, Luciano


Mirko


Miró, Joan


Mitchell, Joan


Mondrian, Piet


Moore, Henry


Morandi, Giorgio


Moreni, Mattia


Morlotti, Ennio


Mortensen, Richard


Motherwell, Robert


Mühlenen, Max von


Müller, Robert


Müller-Hufschmid, Willi


Murtic, Edo


Music, Zoran


Nay, Ernst Wilhelm


Nele, E. R.


Nemes, Endre


Nesch, Rolf


Newman, Barnett


Nicholson, Ben


Noguchi, Isamu


Nolan, Sidney


Nolde, Emil


Oelze, Richard


Orgeix, Christian de


Ostrower, Fayga


Paolozzi, Eduardo


Pasmore, Victor


Penalba, Alicia


Perilli, Achille


Pevsner, Antoine


Piaubert, Jean


Picasso, Pablo


Pignon, Edouard


Piza, Arthur Luiz


Platschek, Hans


Poliakoff, Serge


Pollock, Jackson


Pomodoro, Arnaldo


Pomodoro, Gio


Potworowski, Peter


Pousette-Dart, Richard


Prassinos, Mario


Rauschenberg, Robert


Rebeyrolle, Paul


Rhode, Gerburg


Richier, Germaine


Riedl, Fritz


Riopelle, Jean Paul


Ris, Günter Ferdinand


Ritschl, Otto


Roesch, Kurt


Rompel, Hans


Roszak, Theodore


Rothko, Mark


Rouault, Georges


Sackenheim, Rolf


Santomaso, Giuseppe


Saura, Antonio


Scanavino, Emilio


Schaper, Karl


Scharff, Edwin


Schlemmer, Oskar


Schneider, Gérard Ernest


Schoeffer, Nicolas


Schultze, Bernard


Schumacher, Emil


Schwitters, Kurt


Scialoja, Toti


Scott, William


Ségonzac, André Dunoyer de


Seitz, Gustav


Serpan, Jaroslaw


Seuphor, Michel


Shahn, Ben


Síma, Josef


Singier, Gustave


Sironi, Mario


Smith, David


Sonderborg, K.R.H.


Soulages, Pierre


Spazzapan, Luigi


Springer, Ferdinand


Stacy, Donald L.


Stadler, Toni


Staël, Nicolas de


Stahly, François


Stamos, Theodoros


Still, Clyfford


Stupica, Gabrijel


Sugai, Kumi


Sutherland, Graham


Szenes, Árpád


Tajiri, Shinkichi


Tal-Coat, Pierre


Tamayo, Rufino


Tanguy, Yves


Tanning, Dorothea


Tàpies, Antoni


Tejima, Yûkei


Thieler, Fred


Tobey, Mark


Tomlin, Bradley Walker


Trier, Hann


Trökes, Heinz


Trsar, Drago


Turcato, Giulio


Twardowicz, Ann


Tworkov, Jack


Ubac, Raoul


Uhlmann, Hans


Van Lint, Louis


Vasarely, Victor


Vedova, Emilio


Velde, Geer van


Viani, Alberto


Vieira da Silva, Marie Hélène


Villon, Jacques


Vordemberge-Gildewart, Friedrich


Wendland, Gerhard


Werdehausen, Hans


Werner, Theodor


Wind, Gerhard


Winter, Fritz


Wolf, Karl Anton


Wols


Wotruba, Fritz


Woty


Wynter, Bryan


Yamazaki, Taiho


Zadkine, Ossip


Zimmermann, Mac


Zürn, Unica

Beispielhafte Kunstwerke

Robert Rauschenberg (*1925): The Bed, Mischtechnik (1955)

Es war der erste documenta-Skandal. Er erreichte und erregte zwar nicht die Öffentlichkeit. Aber er führte dazu, dass Robert Rauschenbergs Objektbild „The Bed“ zwar in den Katalog aufgenommen aber nicht ausgestellt wurde. Rauschenberg, der ein Vorbote der Pop-Art war, zeigte in einem Holzrahmen von den Ausmaßen eines Bettes Kopfkissen und Bettdecke, die schmierig bemalt waren. Spuren einer Untat, konnte man vermuten. Für so viel Wirklichkeit hatte die Ausstellungsleitung keinen Sinn. Dass Rauschenbergs Werke nach Kassel geschickt worden waren, lag daran, dass die Auswahl der amerikanischen Künstler dem Museum of Modern Art in New York überlassen worden war. Dem Museum gehört heute „The Bed“.


Paul Delvaux (1897-1994): Mis au tombeau, Ölbild (1951)

Werner Haftmann propagierte die abstrakte Kunst. Dennoch waren erstaunlich viele gegenständliche und erzählende Werke in der documenta II zu sehen. Der Belgier Paul Delvaux war in der Nachfolge von Giorgio de Chirico zum Surrealisten geworden. Er schuf bühnenartige Gemälde, in denen sich die Menschen oft wie in Trance bewegten. Hier sieht man eine Grablegung, bei der es keine Überlebende gibt. Man kann es auch anders sehen: Delvaux zeigt, wie sich der Tod selbst beerdigt. Die Komposition knüpft an die reiche Tradition der Totentanzbilder an. In der Ausstellung war mit dem Thema vielleicht auch an das Ende der gegenständlichen Darstellung gedacht.


Pablo Picasso (1881-1973): Les Baigneurs, Bronze (1957)

Die documenta II machte den Sprung ins Freie. In und vor der Orangerie-Ruine in der Kasseler Karlsaue wurden vor weiß gestrichenen Wänden Skulpturen gezeigt. Die Präsentation war klar und fantasievoll. Die Besucher und die Kritik waren begeistert. Für Pablo Picassos abstrakte Figurengruppe „Les Baigneurs“ (die Badenden) wurde eine bühnenreife Aufstellung gewählt: Die stelenartigen Skulpturen, die heiter und spielerisch wirkten, standen in einem Wasserbassin. Auf diese Weise wurde auch den Besuchern, die mit abstrakter Kunst nichts anfangen konnten, verständlich gemacht, welche Bedeutung der Künstler ihnen gegeben hatte.


Willi Baumeister (1889-1955): Bluxao 3, Ölbild (1955)

Von dem Bild Willi Baumeisters geht eine große Fröhlichkeit aus. Die Farben leuchten, und die Formen wirken leicht und beschwingt. Baumeister zählte zu den deutschen Künstlern, die an der Weltsprache der Abstraktion mitwirkten. Trotzdem verlor er nie die Beziehung zur Natur und ihrer Erscheinung aus den Augen. Aus seiner Sicht waren die Kompositionen Gleichnisse zur sichtbaren Welt. Sie stellten nichts direkt dar, bildeten nichts ab, waren aber als Symbole für Bekanntes zu nehmen. Baumeister sagte einmal: „Farben und Formen enthalten alles, sind alles. Zugleich: Farben und Formen sind nicht alles.“


Alberto Giacometti (1901-1966): Drei schreitende Männer, Bronze (1948)

Der schweizerisch-italienische Bildhauer Alberto Giacometti hat die figürliche Sprache nicht aufgegeben. Aber er hat dank der Auseinandersetzung mit afrikanischer und etruskischer Kunst Skulpturen entwickelt, die in ihrer Einfachheit zeitlos sind: Überlange dünne Gestalten, die an Strichmännchen erinnern. Giacometti ging es um die Darstellung von Ausdruck und Bewegung sowie um das Verhältnis zum Raum. Das wird in dieser Kleinplastik mit den drei Männern anschaulich. Durch die gemeinsame Plattform werden sie in einen gemeinsamen Raum gezwungen. Wir sehen, wie sie sich bewegen. Sie stehen dicht beieinander und sind offenbar nicht fähig, zueinander zu kommen.


Jean Dubuffet (1901-1985): La vache tachetée, Ölbild (1954)

Als kurz nach 1900 die Künstler den Aufbruch in die Moderne wagten, holten sich viele von ihnen Anregungen bei der sogenannten primitiven Kunst Afrikas und der Südsee. Ein halbes Jahrhundert später bemühten sich wiederum Künstler um Erneuerung, indem sie Anleihen bei der Kunst der Geisteskranken nahmen. „Art Brut“ wurde diese Kunst genannt, die die bewusste Steuerung umgehen wollte. Einer ihrer Hauptvertreter war der Franzose Jean Dubuffet. Sein Bild einer Kuh ist von dieser zwingenden Direktheit. Zugleich ist diese Komposition mehr als ein Abbild: Die aus vielen unterschiedlichen Tönen bestehende Farbe gewinnt in dem Bild eine greifbare, fast reliefartige Materialität. Die Komposition wird fühlbar.


Hans Hartung (1904-1989): T 56-13, Ölbild (1955)

Der deutsch-französische Maler Hans Hartung steht für jene abstrakte Nachkriegsmalerei, die mit dem Begriff „Informel“ belegt wird. Dahinter steht der Versuch, das geplante, an der Darstellung orientierte Malen zu überwinden und eine Situation herzustellen, in der psychische Energien direkt auf der Leinwand in Pinselstriche, Formen und Farben übertragen werden können. Diese ausgesprochen spontane Malerei ist mit der asiatischen Tuschezeichnung verwandt. Allerdings geht beim „Informel“ nicht die Konzentration auf einen besonderen Gegenstand voraus. Hartungs Bild lässt diese Spontaneität erkennen. Man kann die Pinselspuren verfolgen, die deutlich vor einem hellen Hintergrund schweben.


Nicolas de Stael (1914-1955): Figure au bord de la mer, Ölbild (1952)

Der aus Russland stammende Maler Nicolas de Stael, der zuletzt in Paris lebte, war bis in die 50er-Jahre des 20. Jahrhunderts eine der großen Leitfiguren der abstrakten Malerei. Den geistigen Bezug zur Landschaft gab er nie auf. Aber die äußeren Bilder übertrug er in fest gefügte Farbfelder und Blöcke. Er baute die Kompositionen aus Farbpasten auf. Man mochte hier die Umrisse einer Gestalt, dort eine knappe Horizontlinie entdecken. Entscheidend für den Maler aber war, dass er den Farben eine starke, unmittelbare Präsenz gab. Sie standen nicht mehr im Dienst einer Form, sondern konnten sich selbst entfalten – Kontraste bilden und Harmonien herstellen.


Mark Rothko (1903-1970): White and Greens in Blue, Ölbild (1957)

Jahrhunderte lang haben die Maler mit Farben gearbeitet, haben versucht, auf der Leinwand überraschende Wirkungen zu erzielen. Aber erst im 20. Jahrhundert schafften sie es, nachdem sie sich vom Gegenstand gelöst hatten, die Eigenkräfte der Farben selbst sprechen zu lassen. Der aus Russland stammende amerikanische Maler Mark Rothko wurde in den 40er-Jahren zu einem Wegbereiter des Abstrakten Expressionismus. Ihm gelang es – wie in dem Bild „White and Greens in Blue“ den Formen magischen Charakter zu verleihen und die Farben zum klingen zu bringen. Er erreichte diese Ergebnisse dadurch, dass er etwa auf einen hellen Hintergrund dunklere Rechtecke setzte, deren Ränder er unscharf auslaufen ließ.

Texte für das documenta-Mobil (2005)

Pressestimmen

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